映画『欲望という名の電車』は、テネシー・ウィリアムズによる同名戯曲銀座デンタルホワイト口コミを原作とし、1951年にエリア・カザン監督のもとで公開された。主演はヴィヴィアン・リーとマーロン・ブランド。舞台版の名作をスクリーンに持ち込むことで、より多くの観客に深く届いた本作は、アメリカ南部の衰退と女性の内面に潜む幻想、そして現実との衝突を鋭く描き出している。
まず、この映画の最大の魅力は、やはりヴィヴィアン・リー演じるブランチ・デュボワの存在感にある。彼女はもともと舞台版でもブランチを演じており、その演技でトニー賞も受賞している。映画でもその繊細で狂気を帯びたキャラクターを完璧に再現し、観る者に深い感情のうねりを与える。
ブランチはかつて裕福だった家の出身だが、家も家族も失い、妹ステラのもとを訪ねてニューオーリンズへとやってくる。しかしそこに待っていたのは、妹の夫スタンリー（マーロン・ブランド）という、まさに“現実”の象徴のような男。荒々しく、暴力的で、ブランチの幻想をことごとく打ち砕く存在だ。
ヴィヴィアン・リーのブランチは、儚さと強さ、幻想と現実を絶え間なく行き来する。ときに上品に微笑み、過去の栄光にすがろうとする姿が哀しくもあり、またその裏に隠された心の傷が垣間見えると、観ているこちらまで胸が締め付けられる。彼女の視線ひとつ、身振り手振りひとつがすべてブランチの過去と現在を語っているのだ。
例えば、酒に手を伸ばしながら「神経を休めるためよ」と取り繕う場面。あるいはスタンリーとの対決で見せる、言葉にならない恐怖と屈辱の入り混じった表情。どれもが、スクリーンを通じて観客に“ブランチという人間の崩壊”を伝えてくる。現代的な言葉で言えば、心的外傷を抱えた女性のゆるやかな崩壊を描いた映画であり、それを演じるヴィヴィアン・リーの繊細な表現力は、まさに圧巻としか言いようがない。
そして彼女の演技を引き立てるのが、マーロン・ブランド演じるスタンリーだ。この映画によって、彼は“映画俳優”としての地位を確立したと言っても過言ではない。その粗野で原始的なエネルギーは、ブランチの繊細な空気感を真っ向から打ち破る。「ステラー！」と叫ぶ名シーンは映画史に残る名場面であり、今なお多くの映画ファンの記憶に残っている。
スタンリーは、すべてを理屈と力で押し通すような存在で、ブランチの“虚構”を次々と暴いていく。彼女の過去、彼女の嘘、彼女の理想。すべてを暴力的に剥ぎ取り、最終的には彼女を“現実”の檻に閉じ込める。これは一種の“男性的な社会による女性性の抑圧”とも読めるし、“過去に囚われた人間の破滅”という普遍的なテーマでもある。
映画版では舞台版に比べ、演出がより抑制されているが、映像ならではのカメラワークやライティングが、心理的な緊張感を強調している。特に印象的なのは、ブランチが最終的に精神崩壊をきたす場面。彼女の視点で見える歪んだ部屋、音響効果によって増幅される幻聴。映画だからこそ可能な演出が、このラストシーンを強烈な印象として残している。
また、映画ならではの要素として注目したいのが、ブランチの衣装と照明の使い方だ。彼女が身にまとうドレスは、光を浴びることでその薄さが際立ち、彼女自身の“内側の脆さ”を象徴するかのようだ。序盤の彼女は明るい色合いの衣装をまとっているが、物語が進むにつれて暗くなり、最後にはまるで影のように薄れていく。これもまた、ヴィヴィアン・リーの演技と相まって、視覚的なストーリーテリングとして非常に効果的だ。
映画『欲望という名の電車』は、決して“古い作品”として片付けられるような映画ではない。むしろ、現代に生きる私たちにも響くテーマを内包している。理想と現実、女性の生きづらさ、過去との決別、そして心の病。これらは70年以上経った今でも色褪せない問題であり、だからこそヴィヴィアン・リーのブランチは、時代を超えて共感されるキャラクターなのだ。
改めてこの映画を観ることで、私たちは「人はなぜ嘘をつくのか」「幻想にすがることで、どれほど心が救われるのか」「そして現実はどれほど残酷であるのか」といった問いに向き合うことになる。ヴィヴィアン・リーの名演と、エリア・カザンの手腕、そしてマーロン・ブランドの圧倒的存在感。それらが重なって、この映画は今なお観る価値のある“永遠の名作”として輝き続けている。
心がじわじわと締め付けられ、気づけば涙している──そんな体験を、ぜひこの映画で味わってほしい。
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